Los 9 mejores pabellones en la Bienal de Venecia 2022

Después de tres años, la Bienal de Venecia ha vuelto a Italia. En lo que se ha descrito como las Olimpiadas del mundo del arte, naciones de todo el mundo organizan presentaciones en un intento por ganar exposición internacional para sus artistas. (Hay mucho en juego: el pabellón polaco, por ejemplo, recibe más visitantes durante la primera semana de la Bienal que cualquiera de sus museos durante todo el año).

Para ayudar a determinar qué pabellones merecen su mayor atención, hemos elaborado una guía de nuestros nueve favoritos a continuación.

Italia: Gian Maria Tosatti, Historia de la noche y el destino de los cometas comisariada por Eugenio Viola

Historia de la noche y el destino de los cometas de Gian Maria Tosatti comisariada por Eugenio Viola en el pabellón italiano del Arsenale. Foto de Sarah Cascone.

El pabellón italiano en el Arsenale ha tenido largas filas para ver su enorme instalación, que ocupa un espacio de 6500 pies cuadrados llamado Tese delle Vergini.

Como el primer artista en representar al país individualmente en el evento, Gian Maria Tosatti ha creado una inquietante instalación  que se basa en la historia italiana y el declive de la industria en el siglo XX.

Se pide a los visitantes que se alineen uno a la vez para ingresar a la exposición, que está llena de máquinas antiguas provenientes de fábricas desaparecidas. Encontrarás extraños paneles de control, una habitación llena de misteriosos conductos que cuelgan del techo y un gran banco de máquinas de coser, aparentemente listas para que los trabajadores regresen en cualquier momento.

En todo momento, se le pide a uno que mantenga el silencio, lo que permite que la ominosa tranquilidad del espacio surta efecto, especialmente cuando se interrumpe, como por una puerta que cruje atronadora.

La instalación está imbuida de una sensación de distopía, que culmina con una habitación oscura donde puedes salir a una plataforma sobre el agua. En contraste con el vacío del resto del espacio, hay luces que parpadean en la distancia, lo que sugiere que alguien está ahí fuera, más allá de este experimento fallido.

(Sarah Cascone)

Letonia: Skuja Braden, Vender agua en el río, comisariada por Solvita Krese y Andra Silapētere

Pabellón de Letonia, Skuja Braden, Selling Water by the River, comisariada por Solvita Krese y Andra Silapētere, vista de instalación en el Arsenale. Foto cortesía del Pabellón de Letonia.

La cerámica no suele ser el medio más llamativo, pero el dúo de artistas Skuja Braden ha creado una instalación espectacular en el pabellón de Letonia en el Arsenale. Las más de 300 obras de porcelana compensan su modesta escala con un gran volumen, con una profusión de vasijas pintadas con cariño apiladas sobre mesas, colgando de las paredes e incluso esparcidas por el suelo.

Inguna Skuja y Melissa D. Breiden han sido pareja durante 22 años, pero no pueden casarse legalmente en Letonia, donde la homofobia está muy extendida. Han hablado de enfrentarse a la violencia física, incluidas las personas que les arrojan bolsas de excrementos, lo que hace que su selección sea una opción particularmente progresista para la nación.

Su defensa de la comunidad LGBTQ es visible en obras con escenas eróticas de amantes femeninas y una pared de botellas con forma de senos grandes y alegres. Pero también hay calaveras, caracoles, frutas, nenúfares y muchos otros objetos representados en obras que van desde platos puramente decorativos hasta funcionales, agregando un elemento de diseño bienvenido a la exposición.

Este es un pabellón que recompensa mirar de cerca, con una plétora de pequeños detalles que esperan ser descubiertos.

(Sarah Cascone)

Corea: Yunchul Kim, Gyre, comisariada por Jungyeon Park, Kahee Jeong y Catherine (Hyun Seo) Chiang

Yunchul Kim, Gyre, comisariada por Jungyeon Park, Kahee Jeong y Catherine (Hyun Seo) Chiang

Por lo general, no me siento atraída por el arte “tecnológico” abiertamente elegante, especialmente cuando los artistas confían en superficies resbaladizas e intangibilidad como su ruta para lograr algún tipo de efecto sublime y sagrado. Sin embargo, me encantó el pabellón de Yunchul Kim para Corea del Sur, quizás porque llega a algo universal y profundamente espiritual al hacer todo lo contrario.

Su presentación, Gyre, consta de cinco cuerpos táctiles y respiradores entrelazados, no es que haya nada humano en ellos. La ejecución material de estas cinco grandes esculturas cinéticas es realmente exquisita, y cada una de las máquinas pulsa y fluye constantemente mientras se comunican con otras y emanan sonidos de insectos. La obra crea un portal para la contemplación del universo y la existencia.

Cientos de tubos de vidrio parpadean con luz en Argos – The Swollen Suns cuando detecta la presencia de partículas subatómicas. Esto activa a Chroma V, que cuelga de cadenas en el centro del pabellón: el nudo de flujos y movimientos de 164 pies de largo. La Poussière de Soleils (“El polvo de los soles”) contiene varios paneles de vermiculita, un material caleidoscópico que cae dentro de los paneles en un patrón determinado por sus propios sensores de luz. Mientras que las otras obras brillan con diferentes nodos eléctricos, Impulse cuelga silenciosamente con luz natural cerca de la salida, bombeando agua de mar veneciana a través de su red de tubos, conectando efectivamente estas máquinas interconectadas con el mundo fuera de la puerta del pabellón.

Lo que sucede exactamente entre estas máquinas extrañas, parecidas a criaturas, sigue siendo desconcertante: solo puedes quedarte allí como un testigo asombrado, observando cómo inhala y exhala mientras se derrumba la barrera entre la naturaleza y el artificio.

(Kate Brown)

Dinamarca: Uffe Isolotto, Caminamos por la Tierra, comisariada por Jacob Lillemose

Uffe Isolotto, Caminamos por la Tierra. Pabellón de Dinamarca, Biennale Arte, 2022. ©Ugo Carmeni.

El pabellón danés se ha transformado en un paddock para esta inquietante instalación de Uffe Isolotto. Es difícil orientarse en el espacio, que está impregnado de un leve aroma a estiércol de caballo y un sustrato parecido al heno llamado hierba marina, aparentemente utilizado para los techos de las granjas en la isla de Læsø en Dinamarca. Está poblado por tres esculturas hiperrealistas de una familia de centauros que estremecen la piel. En una habitación a la derecha, una mujer está acostada de lado, dando a luz algo que todavía está dentro de su saco amniótico. Al alejarte de ella, tus ojos se posan en la parte inferior del cuerpo de un hombre, que cuelga siniestramente del techo en otra habitación.

El espacio está ornamentado con adornos que podrías asociar con la vida agrícola danesa, pero todo está un poco fuera de lugar: herramientas agrícolas alienígenas y especies de plantas desconocidas, algunas que rezuman un fluido azul, están esparcidas por todas partes. Las inconsistencias hacen que se sienta como una especie de realidad paralela, pero el título de la exposición, Caminamos por la Tierra, sugiere que el escenario no es un mundo pasado mítico o una realidad alternativa, sino un futuro poshumano imaginario.

Esa base útil incita a la imaginación a llenar los espacios en blanco sobre cómo podemos llegar de este presente a ese futuro. En un comunicado, Isolotto evocó las desafiantes realidades de nuestro momento presente, ya sean ecológicas, políticas o existenciales. “Hay mucha esperanza y desesperación en el aire, y quiero hacer eso una realidad física con esta instalación”, escribió. Tal vez los centauros sean los descendientes de los humanos, que han realizado esfuerzos biotecnológicos para adaptarse y sobrevivir en un mundo cambiante. Hay indicios de que esta evolución está en curso: la criatura dentro del saco amniótico no se parece mucho a sus padres, y la muerte del padre podría simbolizar el trauma y la dificultad de coexistir con una generación sucesiva y diferente.

(Naomi Rea)

Polonia: Małgorzata Mirga-Tas, Reencantar el mundo, comisariada por Joanna Warsza y Wojciech Szymański

Małgorzata Mirga-Tas, Reencantando el mundo, vista de la exposición, Pabellón de Polonia en la Biennale Arte 2022. Foto: Daniel Rumiancew. Imágenes cortesía de Zachęta — Galería Nacional de Arte.

No te puedes perder el pabellón polaco. Małgorzata Mirga-Tas ha cubierto toda la fachada con paneles de tela cosidos a mano de dos pisos de altura. En el interior, la artista y activista polaco-romaní cubrió las paredes del piso al techo con tapices de tres niveles que sirven como su propia reinterpretación de los frescos de 500 años de antigüedad en el Palazzo Schifanoia en Ferrara, Italia. Tomando el mismo tema, el calendario y el zodíaco, Mirga-Tas reorganiza las imágenes centrándose en el pueblo gitano. Ella hace que los momentos cotidianos, como una mujer tendiendo la ropa o una familia acampando, se sientan tan monumentales como cualquier fresco de iglesia renacentista. Al mismo tiempo, sin embargo, ha logrado capturar instantáneas de un pueblo discriminado durante mucho tiempo con una ternura que no sabía que era posible en el textil. Siendo la primera artista gitana en representar a Polonia en la historia de la Bienal, la presentación de Mirga-Tas no solo es triunfal, sino también agridulce. En los últimos años, la libertad de expresión ha sido cada vez más atacada en Polonia, ya que el gobernante Law and Justice Party busca instalar directores simpatizantes con su causa para dirigir sus museos y cierra espectáculos considerados no cristianos. Esperemos que esto marque el comienzo de algo nuevo para el mundo del arte de Polonia, en lugar de un último hurra.

(Julia Halperin)

Escocia: Alberta Whittle, Inmersión profunda (pausa) desenrollando la memoria, comisariada por Creative Scotland

Vista de instalación Inmersión profunda (pausa) desenrollando la memoria, en los Muelles Cantieri Cucchini

El pabellón escocés, justo al otro lado de un puente y a unos minutos a pie del bullicio del Arsenale, se disfruta con calma. No es particularmente llamativo. Pero en los días posteriores a que lo vi, en medio de un mar de otras obras de arte, las instantáneas de la pieza central de la exposición, un video de 40 minutos llamado Lagareh: The Last Born, seguía apareciendo en mi cabeza. Al igual que el tapiz de la primera galería, la película de Whittle entreteje imágenes del pasado y el presente para mostrar cómo nuestras historias llevaron al mundo en el que vivimos hoy. Sé que la descripción suena un poco trillada, pero la grandeza de la película de Whittle radica en lo específica que es. Filmada en múltiples lugares de Escocia, Inglaterra, Italia, Sierra Leona y Barbados, la película incluye un recorrido por un cementerio sin nombre en la isla de Bunce, el sitio de una de las mayores operaciones de comercio de esclavos en África Occidental, así como imágenes de teléfonos móviles de un joven negro siendo arrestado. También hay belleza allí, como las tomas persistentes de una pareja queer negra, uno con los pies en el regazo del otro, charlando y riéndose conspirativamente sobre qué tipo de padres planean ser y el hogar amoroso que construirán.

(Julia Halperin)

Bélgica: Francis Alÿs, La naturaleza del juego, comisariada por Hilde Teerlinck

Francis Alÿs, “The Nature of the Game.” Photo: Roberto Ruiz.

Es difícil no sentirse conmovida por la instalación de más de media docena de películas del artista belga que capturan a niños jugando. Filmadas a lo largo de más de 20 años en Afganistán, Bélgica, Canadá, República Democrática del Congo, Hong Kong, México y Suiza, las películas muestran a niños participando en varios juegos, unidos por un enfoque común. Hay un niño decidido que hace rodar una llanta cuesta arriba solo para subirse dentro y rodar hacia abajo; una niña saltando meticulosamente sobre las grietas de la acera; un grupo de niños compitiendo en carreras de caracoles. Es una instalación que te obliga a pensar en los grandes problemas del mundo (cambio climático, guerra, desigualdad) sin mencionarlos en absoluto.

(Julia Halperin)

Francia: Zineb Sedira, Los sueños no tienen títulos, comisariada por Yasmina Reggad, Sam Bardaouil y Till Fellrath

Zineb Sedira, Los sueños no tienen títulos. © Thierry Bal et © Zineb Sedira

Zineb Sedira está obsesionada con el cine, y cuando salgas entrecerrando los ojos de su instalación cinematográfica, es posible que  también lo estés. El pabellón francés de Sedira surgió como uno de los primeros favoritos en los Giardini, con una larga fila formándose mientras los visitantes esperaban para experimentarlo.

La inspiración para el pabellón proviene del movimiento independentista argelino y de las películas de posguerra que buscaban construir una identidad cultural fuera de la representación colonial francesa. (Sedira es la primera artista de ascendencia argelina en representar a Francia.)

La entrada ofrece un cuadro de un bar de la década de 1920 inspirado en una película de 1983 de Ettore Scola, animado por dos artistas vivaces que bailan. En la sala final, configurada como una sala de cine de autor, verás a la artista interpretando el mismo papel en su fascinante película semiautobiográfica, Dreams Have No Titles.

Abundan los temas de reconstrucción y repetición, y otras salas incluyen un espacio austero con un ataúd de madera, que ha tomado como punto de partida la adaptación de Luchino Visconti de L’etranger de Albert Camus, y una instalación basada en la propia sala de estar de Sedira en su casa de Londres, completada con plataformas de iluminación y marcadores de escenario. La presentación recuerda a los espectadores que abracen la posibilidad de que la vida bien podría ser un escenario y que estén bien posicionados para actuar en él con tanto entusiasmo como la artista en su alegre interpretación de su propia vida.

(Naomi Rea)

Hong Kong: Angela Su, Levántate, Hong Kong en Venecia, comisariada por Freya Chou y Ying Kwok

Vista de instalación de Angela Su: Arise, Hong Kong in Venice, 2022. Foto de t-space studio, cortesía de M+, Hong Kong.

Copresentada por el museo M+ de Hong Kong y el Consejo de Desarrollo de las Artes, la presentación individual de la artista local Angela Su, Arise, Hong Kong in Venice, es la primera exhibición en Hong Kong (un evento colateral de la Bienal de Venecia) desde que el M+ finalmente abrió sus puertas el pasado año, y no decepcionó.

La exposición en capas, curada por Freya Chou en colaboración con el curador consultor Ying Kwok, lleva a los espectadores a un viaje a través de la práctica artística de Su y los tiempos precarios en los que vivimos. Al ingresar al espacio, ubicado justo afuera de la entrada al Arsenale, hay un patio de piezas escultóricas a partir de imágenes encontradas o ficticias de espectáculos circenses, que se presentan en un conjunto de videoinstalaciones.

Al adentrarse más en el espacio, los espectadores se enfrentan a los meticulosos dibujos y bordados de cabello de Su que arrojan una mirada espeluznante sobre la anatomía humana y animal. Luego, los espectadores son llevados a la pieza central del programa, un pseudo-documental llamado The Magnificent Levitation Act of Lauren O. Con el telón de fondo del movimiento contra la guerra de los Estados Unidos de la década de 1960, el trabajo en video es una pieza poderosa, una combinación casi perfecta de ficción y realidad, que cuestiona la forma en que los humanos están lidiando con nuestras actuales realidades hiperpolitizadas.

(Vivienne Chow)

Fuente: Artnet News